Возникает резонный вопрос, а как же понять неискушенному новичку, какие книжки действительно смогут ему помочь, а в каких кроме красивых иллюстраций ничего нет, в каких изданиях рекламные лозунги более-менее соответствуют действительности, а в каких они служат просто банальной приманкой?

Совет здесь может быть только один: прежде чем отправляться за покупкой «самого лучшего на свете самоучителя игры на гитаре», ответьте сами себе на вопрос, а что вы в принципе хотите получить по окончании прохождения этого курса? Ведь если у вас есть желание овладеть основами нотной грамоты применительно к гитаре – это одно, если достаточно просто получить навыки игры несколькими аккордами – это иное, если же вы мечтаете о том, чтобы играть со скоростью Стива Вая или Ингви Мальмстина – то это уже совсем другое дело, и.т.д. Соответственно, определившись с направлением, потенциальный «ученик» уже будет искать именно то издание, которое будет отвечать его задачам в наибольшей степени.

В любом случае перед покупкой брошюру нужно будет вдумчиво пролистать на предмет того, что обещает вам автор по окончании чтения его произведения, а также – как написана книжка, каким языком: в состоянии ли рассказчик донести до читателя свои знания в доступной и понятной форме. В любом случае не следует выбирать самоучитель игры на гитаре исходя из картинки, изображенной на обложке – в девяноста девяти процентах случаев автор не влияет на оформление своего творения, а редакция размещает иллюстрации, ориентируясь не на содержание брошюры, а на визуальную привлекательность выпускаемой продукции.

И главное помнить, что можно скупить половину всех представленных на рынке самоучителей, но если у «ученика» не будет должного желания и усердия, то всю эту кипу можно будет смело отнести в пункт приема макулатуры – право, так все эти издания принесут больше пользы.

Но ведь известно, что значительная часть гитаристов относится к достаточно консервативному лагерю музыкантов, поэтому появление цифровых технологий в плане усиления звука сформировало два лагеря из любителей "цифрового подхода" и из тех, кто не принимает и критикует эту систему.

Отсутствующая характерная "теплота" звука, некоторые побочные шумы, которые придают аналоговому саунду некий шарм, в свою очередь разочаровало в цифровых комбиках, а также усилителях, несмотря на ценовую доступность и мобильность, достаточно большое число музыкантов.

Что повлекло производство усилительного оборудования нового типа – с использованием в цифровых устройствах симуляторов звука классических усилителей. Эксперты утверждают, что недорогие в производственном отношении цифровые имитации претендуют на полное завоевание низкобюджетного и среднебюджетного рыночного сегмента, специализирующегося на музыкальном оборудовании.

В рамках хай-энда продолжают доминировать модели традиционных ламповых усилителей и комбиков.

Хорошие модели профессиональных ламповых усилителей относятся к весьма дорогостоящему оборудованию, а вскоре их цена и вовсе будет выстраиваться из расчета стоимости редких и практически не производящихся электронных ламп.

В сравнении с усилителями, изменений в классе разработки и производства бас-гитар особенно не предвидится. Большее число изысканий проводятся только в плане отделки гитар, хотя классический американский дизайн по-прежнему является законодателем мод в данном спектре, за исключением семиструнных моделей. Интерес к семиструнным гитарам резко возрос из-за существующих на сегодняшний день новых веяний в гитарной музыке. Значительная часть производителей реагирует на рост спроса на экзотические семиструнные инструменты и предоставляет широкое разнообразие линеек по этой категории.

Развитие темпов роста в производстве акустических моделей гитар остается достаточно позитивным, и это касается как гитар с нейлоновыми струнами, так и моделей со стальными струнами. К тому же, эта тенденция обеспечивает приемлемость продукции и по качественным параметрам и по ценовым.

Достаточно оживленной является область дорогостоящих инструментов, находящаяся под влиянием расширенного спроса на оригинальные модели нестандартных модификаций среди ценителей, коллекционеров и профессионалов.

Для автомобилей иностранного производства частью базовой комплектации являются автомагнитолы 2 din. Это устройство ровно в два раза выше, чем 1 din, но по остальным характеристикам они абсолютно не отличаются. Как правило, в базовом варианте стереосистемы в автомобиле 2 динамика средней ценовой категории. Однако любая магнитола имеет 4 выхода – по два фронтальных и тыловых, что подразумевает возможность подсоединения 4 динамиков одновременно.

Надо сказать, что мощность звучания музыки никоим образом не зависит от того, какой тип автомагнитолы установлен в автомобиле. Как уже было сказано, ее размер регламентируется только задумкой создателей авто и возможностью установки магнитолы желаемого формата в отдел панели. Кстати, при подключении магнитолы любого из этих типов следует помнить, что аккумулятор автомобиля можно не только серьезно «посадить», но и полностью разрядить при неправильном соединении проводов и их креплению к клеммам.

Если хочется, чтобы звучание стереосистемы поражало всех окружающих, следует обратить внимание на такие устройства, как усилители и сабвуферы. Именно за счет подключения таких дополнительных элементов стереосистема автомобиля позволит получать на выходе многополосный звук, то есть разделенный на несколько полос в зависимости от частоты. Высокочастотные усилители позволят качественно воспроизводить звуки любой тональности, а вот от сабвуфера зависит, как будут передаваться басы. При выборе комплектации стереосистемы нужно понимать, что отдельные ее элементы предназначены для конкретной музыки. Чем больше басов, тем мощнее должен быть сабвуфер, чем выше тона, тем выше должна быть чувствительность динамиков.

Музыка сопровождает нас повсюду. Многочисленные технические игрушки, такие как мобильные телефоны, всегда оснащаются звуковыми мелодичными сигналами. Около сорока лет назад французским отоларингологом Томатисом был изобретены способы слухового обучения и слуховой терапии при помощи музыки, давшие поразительные результаты. Томатис выяснил, что первичной функцией уха является слушание, являющееся активным процессом, задействующим многие функции мозга (например, прием и фильтрация входящей информации, концентрация на раздражителях и т.п.), а вовсе не слышанье, которое есть процесс пассивный. Суть метода Томатиса состоит с том, чтобы заново попытаться обучить человека слушанью, потому что именно умение слушать улучшит быстроту запоминание новых иностранных слов, улучшит коммуникацию и разовьет творческий потенциал. Томатис с помощью слуховой терапии умудрялся лечить даже такие сложные болезни, как аутизм, двигательные расстройства, депрессия неясного генеза и недостаточность концентрации внимания.

Ученые из США так же выяснили, что музыка действительно обладает терапевтическим эффектом. Но это относится, как ни странно, только к классической музыке. Современную же электронную музыку, как и рок, психологи уже некоторое время негласно относят к нефармацевтическим агрессивным наркотикам. Полагаю, влияние на организм человека наркотиков объяснять излишне. Но вот романтизм мелодий Шопена, Шуберта, Чайковского и Листа хорошо избавляют от стресса и помогают концентрации, а мелодии в стиле барокко Вивальди, Баха и Генделя способствуют творчеству и создают ощущение основательности и защищенности. Моцарт и Гайдн усиливают память, повышают интеллект. Нейробиологи как-то протестировали влияние музыки Моцарта на IQ. После прослушивания сонаты Моцарта, IQ «подопытных» подрос на 9 пунктов. Правда, ненадолго. Кстати, мелодии Моцарта принято причислять к оздоровительной музыке, повышающий общий тонус всего организма. Этот ее эффект получил название «Эффект Моцарта» и успешно используется во многих видах звукотерапии.

Любомир Кушлик приобретает редкие инструменты преимущественно на рынках, на музыкальных фестивалях, во время этнографических экспедиций по гуцульским селам. Также бывает, что после смерти музыканта родственники отдают ему инструменты покойного.

До того, как начать собирать коллекцию, Любомир Кушлик играл лишь на симфонических инструментах. Увлекшись народными инструментами, музыковед самостоятельно учился играть на каждом из «экспонатов» своей коллекции, чтобы знание об этих инструментах не было чисто теоретическим. Его игра на простой трубке из ивовой коры, которая называется теленка, неизменно вызывает восторг у слушателей, как и игра одновременно на двух сопелках. Овладение музыкальными инструментами помогло ему опровергнуть неверные представления о возможностях некоторых из них. Например, трембита не обладает четырьмя с половиной октавами, как об этом пишется во всех учебниках, а вот сопелка, наоборот, используется далеко не в полную силу.

За 20 лет коллекционирования музыковеду удалось собрать более 700 музыкальных инструментов. Со временем коллекция стала не помещаться дома, и тогда он перенес её в консерваторию. Кроме собственно музыкальных инструментов, в неё входят предметы домашнего быта, из которых украинцы тоже извлекали музыку. Для аккомпанемента годилось всё: веретена, гребешки, подковы и другие предметы. Вообще, исследователь абсолютно убежден в том, что настоящий музыкант-исполнитель сумеет сыграть на любом бытовом предмете.

В коллекции украинских народных инструментов 64-летнего Любомира Кушлика есть волынки, сопелки, деревянные дрымбы, окарины, гуцульские фриски, волынский бугай, трембиты, бойковские цимбалы, теленки, баянные скрипки, столетние бандуры и 120-летние гармошки. Среди инструментов встречаются редчайшие, ныне совершенно забытые, как, например, «дощевицы», с помощью которых карпатские колдуны мольфары разгоняли тучи.

Особой гордостью своей коллекции музыковед-фольклорист считает рог тура, которому уже 400 лет. Этот инструмент являлся символом богатства, на нем играли колядовальники на Рождество, а потом клали в рог мед и просо. А бандура и бойковская сопелка — совершенно уникальные украинские народные инструменты, не имеющие аналогов в мире.

Большинство инструментов изготовлены грубым кустарным способом, не обладают изяществом формы, но особо ценны своей аутентичностью. Очень дороги коллекционеру ассиметричные, сделанные сельскими мастерами столетние сопелки, дрымбы, гармонии-геликонки, бурдонные цимбалы, играющие всего один аккорд, и закарпатские цитеры — предшественники цитры, ставшей инструментом сельской интеллигенции.

Многие свои инструменты Любомир Кушлик ищет годами. Целых восемь лет ушло на поиски детской скрипки, смычок и струны которой сделаны из кукурузы. До сих пор украинский музыковед ищет лиру, которую тяжело найти не только потому, что инструмент принадлежал к особой клановой культуре, но и потому, что после смерти лирника его инструмент хоронили вместе с ним.

Коллекционер сожалеет о том, что интерес к редким, большей частью примитивным инструментам появился уже после того, как они вышли из употребления, поэтому известно о них очень мало. Но, несмотря на это, к большой радости музыковеда, коллекция продолжает пополняться, являясь бесценным наглядным материалом для студентов.

Впрочем, выбор инструмента был сделан как случайно, так и по необходимости. Его семья жила очень скромно, и покупка пианино была исключена, поэтому он пошел на курсы игры на гитаре. Затем была консерватория в Меце, но академическое образование совсем не подходило его исследовательскому духу. Он увлекался философией и литературой. Мог учиться в Высшей Нормальной школе, для которой требовались подготовительные курсы. Но помешал стойкий, вплоть до саморазрушения, комплекс: опасаясь, что обучение будет очень дорогостоящим для родителей, он сознательно саботировал занятия.

Музыка по настоящему увлечет его уже в Парижской консерватории. Трудно сказать, как этому «свободному электрону» удалось сойтись с Александром Лагойя, королем гитарного мира Франции. Это было непросто: классик Лагойя превозносит «атаку справа», типичную для французской школы; Риве же усвоил «атаку слева», способ аргентинской школы, что вызывало насмешки со стороны других учеников. Но учитель был покорен. Он взял под свое крыло бунтаря, мечущегося между недоверием к себе и убежденностью в том, что он может сказать больше, чем эти зубрилы, которые послушно делают то, чему их научили. Лагойя стал для него вторым отцом, заставил его поверить в себя.

Вторая решающая встреча произошла с Леонардом Бернстайном, который пришел дать мастер-класс по дирижированию оркестром и предлагал ему взять в руки дирижерскую палочку. Он отказался, но не полностью. Оркестром является его гитара. В ней неслыханное богатство звучания и бесконечно обновляемое изобретательство игры, чья палитра обогащается его поэтической вселенной. Это позволяет ему не только писать стихи и заканчивать роман, но также без труда переходить от барочной лютни к современной гитаре. Редчайшая разносторонность!

Когда он играет со своим другом Эммануэлем Пахудом, флейтистом из Берлинской филармонии, роли меняются: не гитара аккомпанирует флейте, а флейта гитаре. Без лишней скромности можно сказать, что у Кристиана Риве есть все, чтобы стать звездой. И, в конце концов, это придется признать.

Вувузела — длинный духовой южноафриканский инструмент, похожий на рожок. Не все исследователи сходятся во мнении, что вувузела относится к древним инструментам, хотя и есть сведения, что аборигены африканских племен для созыва племени трубили в рожки, сделанные из рогов антилопы. Инструмент этот стал популярным в Южной Африке в 90-х годах прошлого века. С 2001 года компания «Masincedane Sport» стала массово производить пластиковые вувузелы.

Вувузела — любимый инструмент южноафриканских футбольных болельщиков, которые изо всех сил дуют в неё на протяжении всех 90 минут матча, а то и дольше. При этом фанаты команды «Кайзер Чифс» предпочитают вувузелы желтого цвета, а команды «Орландо Пайретс» — черно-белого.

Вувузела издает монотонный звук, похожий на жужжание пчёл. Это и создает проблему. Тесты, проведенные швейцарским производителем слуховых аппаратов «Phonak» привели к выводу, что вувузелы производят звук в 127 децибел, что выше, чем барабан (122 децибел), механическая пила и свисток арбитра (121,8 децибел). При одновременном звучании десятков тысяч вувузел на огражденной полузакрытой территории шум очень быстро становится просто невыносимым.

Некоторые специалисты бьют тревогу относительно риска, который вувузела представляет для слуха. Та же компания «Phonak» провела исследование, в ходе которого обнаружилось, что звук силой в 85 децибел может привести к потере слуха. Если звук выше 100 децибел, для потери слуха достаточно всего 15 минут. Звук же вувузел приближается к 130 децибелам.

Организаторы Чемпионата мира-2010 сначала боялись, как бы шум вувузел не заглушил возможные оповещения о срочной эвакуации со стадиона, но в конечном итоге разрешили использование этих нетипичных рожков, лишь попросив у болельщиков не трубить во время звучания гимнов.

Как и в любой проблеме, здесь есть свои сторонники и противники. Сторонники использования вувузел отмечают, что продажа этих инструментов обеспечивает пропитание многим беднякам Кейптауна. Кроме того, в то время как с планеты исчезают пчелы, шум вувузел напоминает нам об их существовании, придавая спортивному празднику буколический колорит.

Правда, противников шумного инструмента намного больше. Некоторые всерьез считают, что вувузела была придумана с единственной целью «производить шум», ведь на языке зулусов «вуву» означает «шуметь». Тем, кто призывает уважительно относиться к чужой культуре, гневно отвечают, что это не культура, а ребячество. Ведь речь идет не о древнем инструменте, а о появившемся каких-то 15 лет назад «гаджете», который стал популярным благодаря своей дешевизне.

Возмущаются использованием вувузелы и сами футболисты. Так, испанский полузащитник Хаби Алонсо ещё в прошлом году заявил, что игру на вувузелах нужно запретить, потому что их шум делает невозможными концентрацию и общение между игроками. А голландский тренер Берт ван Марвейк запретил использование вувузел во время тренировок своей команды, заявив, что так тренироваться невозможно, потому что он не слышит собственных слов.
Рационалисты советуют выключать микрофоны на стадионе, а тем, кто смотрит матч по телевизору — звук телевизора, и комментарии слушать по радио. А в качестве самого идеального решения советуют вообще не смотреть матчи.
Вряд ли такое решение можно назвать идеальным, но пока на стадионах царствует вувузела, слух лучше поберечь.

Все палочки имеют числовое и буквенное обозначение — 2А, 5А, 2В, 7В, 9В и т. д. Цифра обозначает толщину модели, а буква — сферу её применения. Причем соотношение обратно пропорциональное: чем больше цифра, тем тоньше палочка, и наоборот.

Палочки маркируются тремя буквами: S, B и A.

Буква «S» (street) обозначает палочки, предназначенные для игры в военных оркестрах. Буквой «В» (band) обозначаются модели для игры в духовых и симфонических оркестрах. Палочки этой модели легче и меньше диаметром, они распространены среди начинающих музыкантов. И, наконец, буква «А» (orchestra) обозначает модель, предназначенную для биг-бендов, играющих танцевальную музыку. Букву «О» заменили на «А» лишь потому, что когда-то давно барабанщик и мастер по изготовлению ударных инструментов Уильям Людвиг решил, что образ буквы «А» выглядит более эстетично.

Деревянные палочки в основном делают из клена, дуба и ореха. Иногда используют граб, бук, а также редкие и экзотические виды дерева. В зависимости от используемого дерева варьируется звучание палочек. Для мягкой и быстрой игры идеально подходят легкие палочки из клёна. Их используют в джазе и фанке. Палочки из ореха более твердые, прочные и тяжелые, универсальные в использовании. Для любителей рока и эйренби подойдут тяжелые и прочные дубовые палочки. Производят палочки и из синтетических материалов, например, алюминия и полиуретана. Такие палочки долго служат и предусматривают замену составляющих.

Громкость, интенсивность и продолжительность звука напрямую зависят от формы и размера головки, а также материала, из которого она сделана. Головки бывают четырех видов — круглые, цилиндрические, остроконечные и в форме оливковой косточки.

Круглые головки обеспечивают более фокусированный звук, почти неизменяемый при ударах под разным углом наклона. Цилиндрические головки дают звук более открытый и распыленный, из-за большой площади соприкосновения с поверхностью. Золотой серединой между ними являются остроконечные головки, дающие звук средней сфокусированности. И, наконец, самые широкие возможности предоставляют головки в форме косточки от оливки. Такая форма головки позволяет наносить удары по инструменту под разным углом, меняя площадь соприкосновения с поверхностью, что даёт очень широкий спектр звучания.

Выбирать палочки с нейлоновыми наконечниками или без — дело вкуса. Кому-то больше нравится мягкое и теплое звучание дерева, а кому-то подходит четкое кристальное звучание нейлона. Начинающим барабанщикам для развития техники можно порекомендовать модель типа 2В, а палочки 5А с нейлоновым наконечником подойдут для музыки любого стиля.

Есть одно «но» в выборе палочки — их цена. Начинающим ударникам придется принять тот факт, что палочки не могут быть дешевыми. Если пара палочек стоит меньше 200 рублей, да ещё и от неизвестного производителя, то от приобретения таких палочек лучше воздержаться. Самые надёжные и популярные производители деревянных палочек — VATER, VIC-FIRTH, PRO MARK, REGAL TIP, Zildjian, пластиковых — AHEAD.

Учиться играть нужно сразу хорошими палочками. Дешевые не дают хорошего отскока, в них нет баланса и веса, что тормозит развитие рук и в дальнейшем обязательно отразится на игре. При постукивании друг о друга палочки должны издавать звонкий звук цельной деревяшки. Ровность проверяется прокатыванием по плоской поверхности. И ещё палочки нужно тщательно осмотреть на предмет отсутствия сучков и поперечных волокон.

Лучше всего покупать сразу несколько пар палочек одного производителя. На концерте чувствуешь себя намного комфортнее, если всегда под рукой есть запас. Если, например, палка вылетела во время игры или, не дай Бог, сломалась, можно без заминки выхватить из чехла точно такую же и легко и непринужденно продолжить концерт!

Колокола, безусловно, относятся к ударным музыкальным инструментам. Однако из-за огромных размеров и веса в несколько тысяч пудов настоящие церковные колокола никак не назовёшь «оркестровым инструментом». Такой «инструмент» невозможно приспособить для концертных целей.

Впрочем, когда-то в операх вынуждены были применять настоящие церковные колокола, которые помещались за сценой театра. В Большом театре и сейчас ещё есть своя звонница с подлинными церковными колоколами, используемыми в некоторых операх. Но далеко не все театры могли позволить себе иметь собственные звонницы, поэтому композиторы вводили в оркестр маленькие колокола, да и то нечасто. Так, колокола использовал Чайковский в увертюре «1812 год», Бородин в «Фортепианной сюите», Римский-Корсаков в «Пасхальной увертюре», Мусоргский в фантазии для оркестра «Ночь на Лысой горе».

Однако всё чаще возникала необходимость имитировать колокольный звон в симфоническом оркестре, особенно это было связано с постановкой патриотических сюжетов. И вот в эпоху Великой французской революции, в 1893 г., англичанин Герингтон изобрёл оркестровые колокола. Первым, кто ввёл этот инструмент в свои произведения, был композитор Керубини.

Оркестровые колокола представляют собой металлические трубки цилиндрической формы. От 12 до 18 таких трубок, диаметром от 25 до 38 мм крепятся на подвесках к деревянной или металлической раме 2-х метровой высоты, а звук извлекают с помощью обтянутой кожей деревянной колотушки либо металлического молотка с резиновой прокладкой. Высота звука зависит от длины цилиндров, а сила звука — от их диаметра. При этом инструмент точно воспроизводит звон настоящих колоколов.

В отличие от классических колоколов цилиндры не такие массивные и поддаются точному строю. Их с абсолютной точностью можно настроить в любые ступени хроматической октавы. Диапазон охватывает 2–2,5 октавы — от fa малой до do третьей октавы. Звучит инструмент октавой ниже нотной записи.

В России оркестровые колокола называют итальянскими. В русской опере они применялись особенно часто. На них исполнялся торжественный звон в опере Глинки «Иван Сусанин» и в сцене коронации в «Борисе Годунове» Мусоргского, в «Сказке о царе Салтане» Римского-Корсакова, в «Князе Игоре» Бородина. Использовались колокола в операх «Вильям Ратклиф» (Кюи), «Рогнеда» (Серов) и «Нижегородцы» (Направник).

После появления современных оркестровых колоколов композиторы смело стали использовать их в своих произведениях: Пуччини в «Тоске», Рахманинов в поэме на стихи Эдгара По «Колокола», Мейербер в «Пророке». А Прокофьев в опере «Александр Невский» вместо труб оркестровых колоколов использовал длинные металлические бруски.

Конструкция современных колоколов постоянно совершенствуется. Сейчас они снабжены демпфером, регулируемым с помощью педали. Некоторые модели колоколов Yamaha оснащены новой конструкцией демпфирования — поворотной площадкой с войлочно — фетровыми кольцами. Трубы инструмента делаются из алюминиевого или латунного сплава. Рама полностью разбирается, что обеспечивает удобство транспортировки. Благодаря прочным стальным подпоркам и горизонтальным планкам снижается раскачивание и повышается устойчивость колоколов во время игры.

Оркестровые колокола звучат чисто, прозрачно и производят прекрасное впечатление. Они широко распространены не только в классической, но и в современной, и даже в электронной музыке.

Его поклонники, начиная с 2002 года — времени появления альбома «Up» (Вверх) — ждали нового альбома оригинальных песен. Но он выпустил «Scratch my back» (Ты — мне, я — тебе) — альбом кавер-версий песен Дэвида Боуи, группы Radiohead, Arcade Fire и других известных музыкантов, записав его с симфоническим оркестром, без барабанов и гитары. Эта идея пришла к нему в голову как реакция на музыкальные шоу, делающие упор на успех, а не на то, что непреходяще — стиль.

«Музыкальная индустрия уже мертва, но из неё может получиться много интересных вещей», считает английский музыкант. «Это напоминает мне начало 60-х годов, когда не было столько работ, как сегодня. Люди могли все испробовать. Сегодня музыканты могут играть в 10−12 группах одновременно и для разной публики, выпускать произведение длиною в три дня или в три секунды».

Чтобы продлить свой проект, задуманный как «диалог» между артистами, Питер Гэбриэл попросил каждого музыканта, у которого взял песню, в ответ исполнить одну из своих песен. Дэвид Боуи отклонил предложение, а Брайан Ино, Дэвид Бирн и Регина Спектор согласились.

Каждая песня будет выкладываться на продажу на i-tunes раз в месяц «в полнолуние». После кавер-версии песни «Not one of us» Стефина Мерритта (The Magnetic Fields) слушателю будет представлена версия «Biko» Пола Саймона, затем «Come talk to me» Бона Ивера.

После этого Питер Гэбриэл рассчитывает взяться за новый альбом. «Я всегда говорю себе, что это будет через пару месяцев, но на это уйдет много месяцев», смеется он.

Певец признается, что когда-то его жизнь на 90% вращалась вокруг музыки. Сегодня треть её отдана музыке, треть — технологии и треть — гуманитарным проектам, где он просто неистощим.

После запуска проекта «Witness», который снабжал видеокамерами защитников прав человека, музыкант основал правозащитный сайт «The Hub», где активисты и свидетели могут выложить видео с комментариями, рассказывая, что происходит у них. Он также стоял у истоков организованной Нельсоном Манделой в 2007 году группы «The Elders» (Старейшины), которая объединила всемирно известных личностей для решения проблем мирного урегулирования. «Моей мечтой было соединить возможности отдельных людей с возможностями старейшин», улыбается он.

Но так думают не только знаменитые няни. Американская академия педиатрии тоже советует родителям быть осторожными, позволяя детям до двух лет смотреть телевизор. Их советы основываются на результатах исследования, опубликованных в журнале «Pediatrics» в 2004 году. Тогда ученые медицинского центра при детской больнице Сиетла установили, что доступ к телевизору в малолетнем возрасте является причиной расстройств внимания у детей.

Автор исследования доктор Димитрий Кристакис и его команда проанализировали поведение более чем 2 500 детей в возрасте 7 лет и сопоставили полученные данные с их телевизионными привычками в возрасте 1−2 лет. Оказалось, что воздействие телевидения в младенчестве тесно связано с такими нарушениями, как синдром дефицита внимания и гиперактивности в более позднем развитии.

Однако некоторые родители находят способ превратить зловредный ящик в отличное снотворное, после которого их малыши спят, как ангелы. Делают они это благодаря тому, что некоторые радиостанции транслируют свои передачи по телевизору. Так, музыкальная сеть Galaxie Радио-Канада показывает по телевизору музыкальные программы без рекламы и перерывов, что является для родителей прекрасным средством успокоить разгоряченных детей, знакомя их со своими любимыми музыкальными стилями.

Один из слушателей радио Galaxie, адвокат из Монреаля — большой любитель джаза. Он часто успокаивает вечерами свою двухлетнюю дочь Клару, включая ей канал «Великаны джаза». Он с удовольствием рассказывает, как вечерами слушает джаз вместе с дочерью, читая ей сказки, и это её очень успокаивает. Счастливый папа отмечает, что это самое любимое для неё время. А огромное разнообразие музыкальных жанров, транслируемых радио Galaxie, предоставляет великолепную возможность без труда познакомить ребенка с разными музыкальными стилями.

Вот так, имея в арсенале воспитательных средств большой выбор хорошей музыки, любой родитель может стать суперняней.

Предшественником эуфониума был серпент, использовавшийся в военных оркестрах как походный бас. Изобретение эуфониума приписывают мастеру Зоммеру из Веймара. Инструмент был изобретен через восемь лет после появления тубы — в 1843 году. У эуфониума более широкая мензура, что, естественно, оказывает влияние на его звучание и технические возможности.

В 1817 году французский мастер Луи Антуан Алари изобрел ряд медных рожков с клапанами, в числе которых — офиклеид. Использование закрывающих отверстия клапанов позволило мастерам делать инструменты точнее и мощнее серпента. Благодаря этому, Гектор Берлиоз задействовал офиклеид в своей «Фантастической симфонии». Офиклеид получил широкое распространение в духовых и симфонических оркестрах XIX века. Выпускали его разных размеров и строев.

Существование многих разновидностей медных инструментов создавало сложности с терминологией. В Англии тенором называли тот же инструмент, который во Франции назывался альтом (ми-бемоль), а в Германии — альтгорном. Германский тенор во Франции и Англии считался баритоном. Бас (си-бемоль) во Франции становился эуфониумом в Англии и баритоном в Германии. Все эти инструменты отличались одинаковым диапазоном и схожим тембром, хотя конструкцию имели разную. У нас, благодаря влиянию британской военной традиции, прижились названия эуфониум и баритон.

В Англии в духовых и военных ансамблях используются два разных инструмента. У английского баритона ствол меньше, чем у эуфониума, звук светлее, а строй — Bb. У эуфониума, из-за более толстого ствола, тембр, наоборот, мощнее и сочнее. В Америке баритон и эуфониум — понятия взаимозаменяемые.

В начале XX века к основной конструкции эуфониума был добавлен небольшой раструб. Его приводили в действие с помощью дополнительного рычажка и использовали для получения эффектов в манере тромбона. Этот инструмент упоминается в заглавной песне мюзикла «Музыкант» (1957), созданного Мередитом Уиллсоном.

Довольно долго композиторы почти не писали оригинальные сочинения для эуфониума. Музыкантам приходилось перекладывать произведения, написанные для других инструментов, а иногда и вокальную литературу. С другой стороны, это способствовало развитию исполнителя, поскольку переложения представляли все разнообразие жанров. Самое знаменитое соло в симфоническом оркестре — это, пожалуй, соло в пьесе «Быдло» «Картинок с выставки» Мусоргского, оркестрованном Морисом Равелем.

В последние десятилетия композиторами написано много оригинальных сочинений для эуфониума. Известные современные эуфонисты — это отец и сын Чайлд и Стивен Мид в Великобритании, Брайан Боумэн в США, Иван Милиет и Энтони Кайе во Франции. В Швейцарии — это Томас Рюэди, профессиональный эуфонист и профессор Высшей школы искусств в Берне. Ещё один швейцарский музыкант Жан-Пьер Шевайе 7 октября 1983 года получил в Лондоне звание «Эуфонист года 1983−1984».

В университетах и колледжах наблюдается вспышка интереса к написанию новой музыки для эуфониума. Есть надежда, что этот интерес будет расти, учитывая огромный потенциал, который таит в себе инструмент.

Известный курдский режиссер Бахман Гобади (Bahman Ghobadi) в своем новом фильме «Никто не разбирается в персидских кошках» рисует трагическую картину поиска свободы иранской молодежью. Он показывает молодых музыкантов тегеранского андеграунда, которые становятся жертвами репрессий лишь за то, что занимаются музыкой.

Фильмы Гобади запрещены к показу на его родине, где его предыдущий фильм «Полумесяц» продавался только на DVD-дисках на черном рынке. Сценарий «Персидских кошек» Гобади написал вместе со своей девушкой, ирано-американской журналисткой Роксаной Сабери. Роксана в Иране была обвинена в шпионаже, и сто дней провела в заключении. В мае прошлого года она была освобождена, после того как иранский суд сократил её срок до двух лет условно.

«Персидские кошки» снимались без разрешения, в спешке — за 17 дней. В нем молодые музыканты Ашкан (Ашкан Кошанеджад) и Негар (Негар Шагаги), только что вышедшие из тюрьмы, пытаются в Тегеране создать рок-группу. Они вынуждены тайно устраивать прослушивания молодым людям, так как в любой момент могут быть арестованы. Приходится играть в импровизированных студиях, устроенных в подвалах, а то и на ферме, где у напуганных децибелами коров пропадает молоко.

Запрещено все — запись диска, проведение концертов и репетиций. За все это грозят большие штрафы, удары кнута или тюрьма. Поставленные строгостью цензуры в невыносимые условия, молодые люди ищут возможности эмигрировать в Европу.

Фильм снят в документальной манере, все актеры играют самих себя. Гобади привлекает внимание к мощному культурному движению иранской молодежи, которое из-за страха репрессий находится в подполье. «Если бы я не сделал этот фильм, вы не узнали бы, что происходит в Иране», сказал Бахман Гобади в мае агентству Франс-пресс. «Я мог бы снять сто фильмов о таких группах, их намного больше, чем я смог бы показать». А двое молодых актеров фильма признались, что не собираются возвращаться в Иран.

Ашкан Кошанеджад объяснил: «Мы не лезем в политику, не пытаемся изменять страну, мы просто хотим заниматься музыкой. 90% фильма — это реальность. Полтора года назад меня на три недели посадили в тюрьму за то, что я дал рок-концерт».

Месяц спустя, комментируя подавленную властями «зеленую революцию», протестующую против переизбрания иранского президента Махмуда Ахмадинеджада, режиссер заявил: «В фильме от имени всей молодежи Ирана я добиваюсь, чтобы соблюдались основные права, которые у неё отняты, почему и возникают протесты на улицах».

Бахман Гобади ещё за свой дебютный фильм «Время пьяных лошадей» получил в 2000 году «Золотую Камеру» Каннского кинофестиваля. Живя в стране, где можно свободно играть рок и ходить на рок-концерты, как-то не задумываешься о том, что в это же время на этой же планете молодые люди в другой стране не могут этого делать под страхом тюремного заключения. И, тем не менее, это так.

Известный курдский режиссер Бахман Гобади (Bahman Ghobadi) в своем новом фильме «Никто не разбирается в персидских кошках» рисует трагическую картину поиска свободы иранской молодежью. Он показывает молодых музыкантов тегеранского андеграунда, которые становятся жертвами репрессий лишь за то, что занимаются музыкой.

Фильмы Гобади запрещены к показу на его родине, где его предыдущий фильм «Полумесяц» продавался только на DVD-дисках на черном рынке. Сценарий «Персидских кошек» Гобади написал вместе со своей девушкой, ирано-американской журналисткой Роксаной Сабери. Роксана в Иране была обвинена в шпионаже, и сто дней провела в заключении. В мае прошлого года она была освобождена, после того как иранский суд сократил её срок до двух лет условно. «Персидские кошки» снимались без разрешения, в спешке — за 17 дней. В нем молодые музыканты Ашкан (Ашкан Кошанеджад) и Негар (Негар Шагаги), только что вышедшие из тюрьмы, пытаются в Тегеране создать рок-группу. Они вынуждены тайно устраивать прослушивания молодым людям, так как в любой момент могут быть арестованы. Приходится играть в импровизированных студиях, устроенных в подвалах, а то и на ферме, где у напуганных децибелами коров пропадает молоко.

Запрещено все — запись диска, проведение концертов и репетиций. За все это грозят большие штрафы, удары кнута или тюрьма. Поставленные строгостью цензуры в невыносимые условия, молодые люди ищут возможности эмигрировать в Европу.

Фильм снят в документальной манере, все актеры играют самих себя. Гобади привлекает внимание к мощному культурному движению иранской молодежи, которое из-за страха репрессий находится в подполье. «Если бы я не сделал этот фильм, вы не узнали бы, что происходит в Иране», сказал Бахман Гобади в мае агентству Франс-пресс. «Я мог бы снять сто фильмов о таких группах, их намного больше, чем я смог бы показать». А двое молодых актеров фильма признались, что не собираются возвращаться в Иран.

Ашкан Кошанеджад объяснил: «Мы не лезем в политику, не пытаемся изменять страну, мы просто хотим заниматься музыкой. 90% фильма — это реальность. Полтора года назад меня на три недели посадили в тюрьму за то, что я дал рок-концерт».

Месяц спустя, комментируя подавленную властями «зеленую революцию», протестующую против переизбрания иранского президента Махмуда Ахмадинеджада, режиссер заявил: «В фильме от имени всей молодежи Ирана я добиваюсь, чтобы соблюдались основные права, которые у неё отняты, почему и возникают протесты на улицах».

Бахман Гобади ещё за свой дебютный фильм «Время пьяных лошадей» получил в 2000 году «Золотую Камеру» Каннского кинофестиваля.

Строение виолончели такое же, как у скрипки, но она значительно больше. Смычок виолончели короче скрипичного и альтового, а струны — длиннее. При игре на виолончели музыкант опирает инструмент о пол шпилем, появившимся лишь в конце XIX века. Раньше же её удерживали икрами ног.

На протяжении целых столетий виолончель была в оркестре инструментом второстепенным, занимала просто убогое положение, поскольку никто тогда не догадывался о богатейших исполнительских возможностях этого инструмента. Даже Иоганн-Себастьян Бах ни разу не написал для виолончели достойной партии, где она могла бы показать все свои блестящие качества. Ещё в начале XIX века партия виолончели в партитуре умещалась на одной строчке. Истинное достоинство виолончели сумел оценить Бетховен, который и отвел ей то место в оркестре, которого она заслуживает. Позднее выразительные средства виолончели были ещё более развиты романтиками Вебером и Мендельсоном.
На что способна в оркестре современная виолончель? Без преувеличения можно сказать, что виолончель — инструмент почти совершенный. Все технические нюансы, свойственные скрипке и альту, доступны виолончели, только для их воспроизведения нужно приложить больше усилий. В низком регистре виолончель соответствует низкому мужскому голосу bassa profundo и поэтому очень хороша в исполнении таинственной и мрачной музыки. Благодаря более длинным струнам на виолончели можно получать более богатую серию флажолетов.

Современные композиторы очень ценят виолончель за глубину звучания, искренность и теплоту. А исполнительские качества инструмента прочно завладели сердцами музыкантов и их восхищенных слушателей. После фортепиано и скрипки виолончель — самый любимый инструмент, которому композиторы посвящают свои произведения. Особенной любовью виолончель пользовалась у Чайковского. Его «Вариации на тему рококо» стали украшением всех концертных программ, требуя от исполнителя виртуозного владения инструментом.

Но возможности виолончели не ограничиваются лишь классическим репертуаром. Например, современная финская группа Apocalyptika, которая состоит из четырех виолончелистов и ударника, играет на виолончелях очень тяжелую музыку. При этом жанр группы не имеет точного определения: это неоклассический метал, или симфонический метал, или трэш-метал. Но важно не это, а то, что исполнители с классическим образованием решили в полной мере задействовать весь потенциал этого удивительного инструмента.

А теперь о каждом из них по порядку:
К медным духовым инструментам относятся такие знаменитые инструменты как труба, тромбон, туба.
Труба — это самый высокий по звучанию инструмент среди медных духовых. С древних времен трубу использовали как сигнальный инструмент. По сути своей труба представляет длинную трубку, которая изгибается исключительно для компактности. Она слегка сужается у мундштука, расширяется у раструба, а на остальных участках имеет цилиндрическую форму. Именно такая форма трубки придаёт трубе её яркий тембр.
Главной особенностью тромбона является наличие у него передвижной U-образной трубки, с помощью которой музыкант изменяет объем заключенного в инструменте воздуха, таким образом, он получает возможность исполнять различные звуки.
Туба- это самый низкий по регистру инструмент среди духовых. Современная модель инструмента была сконструирована во второй четверти XIX века Адольфом Саксом. Туба обладает суровым, массивным тембром. Особенно уважают тубу в симфонических оркестрах, где она в группе медных духовых играет роль басового инструмента. Также туба используется в джазовых и эстрадных оркестрах и ансамблях, но значительно реже. В качестве сольного инструмента туба практически не используется.

Многим известны такие инструменты, как флейта, дудочка, кларнет, саксофон. Все эти инструменты относятся к группе духовых деревянных.
В отличие от других духовых инструментов, у флейты звуки образуются в результате рассекания потока воздуха об грань, вместо использования язычка. Музыкантов играющих на флейте обычно называют флейтистами.
Дудка — русский народный музыкальный духовой инструмент, состоящий из бузинной тростины или камыша и имеющий несколько боковых отверстий, а для вдувания — мундштучок.
Кларнет применяется в самых разнообразных музыкальных жанрах и составах: в качестве сольного инструмента, в камерных ансамблях, симфоническом и духовом оркестрах, народной музыке, на эстраде и в джазе. Кларнет обладает тёплым, мягким тембром и предоставляет исполнителю широкие выразительные возможности.
Саксофон обычно металлический, но язычки у него деревянные, поэтому он относится именно к этой группе инструментов. Является одним из основных инструментов джаза и родственных ему жанров, а также эстрадной музыки. Инструмент обладает полным и мощным звучанием, певучим тембром и большой технической подвижностью.

К язычковым духовым инструментам относят знаменитый аккордеон, традиционный русский инструмент- баян, гармонь, ну и губную гармонику.
Аккордеон — музыкальный инструмент, ручная гармоника. В русской традиции обычно принято называть только инструменты с правой клавиатурой фортепьянного типа (обычно несколько тембровых регистров) — в отличие, например, от баяна. Благодаря множеству регистров аккордеон становится универсальным инструментом.
Баян — исконно русский инструмент, названный по имени древнерусского сказителя Боюна. Баян состоит из трёх частей — правый полукорпус, левый полукорпус, меховая камера. Звук в баяне возникает за счёт колебания язычков в проемах голосовой планки под воздействием воздушной струи из меховой камеры или в меховую камеру.
Гармонь- разновидность баяна язычковый клавишно-пневматический музыкальный инструмент с мехами и двумя кнопочными клавиатурами. Левая клавиатура предназначена для аккомпанемента: при нажатии одной кнопки звучит бас или целый аккорд. На правой клавиатуре играется мелодия.
Губная гармоника — распространённый язычковый музыкальный инструмент. В России его также называют губной гармошкой, губной гармонью (что неверно, потому что гармонь — это другой инструмент).Внутри губной гармоники находятся медные пластинки (язычки), которые колеблются в воздушной струе, создаваемой музыкантом. В отличие от других язычковых музыкальных инструментов гармоника не имеет клавиатуры. Вместо клавиатуры используется язык и губы для выбора отверстия (как правило они расположены линейно), соответствующего желаемой ноте.

Гитара, балалайка- это все струнные щипковые инструменты. Звук они издают из-за колебания струн.
Гитара — струнный музыкальный инструмент, один из самых распространённых в мире. Применяется в качестве аккомпанирующего инструмента во многих музыкальных стилях, а также как сольный классический инструмент.
Балалайка — русский народный трёхструнный щипковый музыкальный инструмент.

Струнные смычковые инструменты очень распространены. Самым знаменитым представителем этого вида инструментов является скрипка.

Фортепиано самый многогранный инструмент. Оно относится к клавишным струнным инструментам. Звук в фортепиано извлекается ударением молоточка о струны. Струны с помощью колков натянуты на резонансную деку (в пианино дека находится в вертикальном положении, в роялях — в горизонтальном). Для каждого звука существует хор струн: три для среднего и высокого диапазонов, две или одна — для нижнего. Диапазон большинства фортепиано составляет 88 полутонов от ля субконтроктавы до 5-й октавы (более старые инструменты могут ограничиваться нотой ля 4-й октавы сверху; можно встретить инструменты и с более широким диапазоном). В нейтральном положении струны, кроме последних полутора-двух октав, соприкасаются с демпферами. При нажатии клавиш в действие приводится устройство из рычагов, ремешков и молоточков, называемое фортепианной механикой. После нажатия от соответствующего хора струн отделяется демпфер, чтобы струна могла свободно звучать, и по нему ударяет молоточек, обитый фильцем (войлоком).

Электронными музыкальными инструментами называются музыкальные инструменты, использующие в своей конструкции различные электронные устройства. Обычно на электронном музыкальном инструменте генерируется электрический сигнал, направленный на преобразование в звук при помощи динамика.

Кларнет относится к семейству деревянных духовых инструментов. Но не все входящие в семейство инструменты сделаны из дерева — например, саксофон и флейта делаются из металла. К деревянным их относят по типу конструкции: в стволе этих инструментов просверлены отверстия, закрывая и открывая которые изменяют высоту звука.

Кларнет имеет несколько присущих только ему отличий. Самое главное из них — это цилиндрическая, а не коническая форма просверленных отверстий. Вследствие этого звук получается как в закрытой трубе. Звучащая часть канала вмещает лишь половину звуковой волны, а вторая половина отражается от закрытого конца, поэтому звучание кларнета на октаву ниже открытой трубы такой же длины.

Из-за этой же акустической особенности в спектре звука кларнета нет чётных обертонов, поэтому «передувание» осуществляется на дуодециму, а не на октаву, как у остальных инструментов. Для заполнения «лишней» квинты возникла необходимость в дополнительных клапанах, что усложнило аппликатуру кларнета и увеличило его диапазон почти до четырех октав (3 октавы с малой секстой). И это же является причиной сильного различия тембров звучания кларнета в разных регистрах.

Из-за сложности аппликатуры учиться играть на кларнете, как правило, долго и трудно. Поэтому лучше всего делать это под руководством хороших преподавателей. Тем более что освоение аппликатуры — лишь преамбула к серьезной науке. Ученик-кларнетист должен изучить все гаммы, арпеджио и т. д. и регулярно отрабатывать множество упражнений.

У кларнета самый большой динамический диапазон. Он дает возможность музыканту извлекать звуки бесконечной изысканности, еле слышимые шорохи. И, наоборот, кларнет способен на предельную мощь, выдавая яркие звуки впечатляющей силы. Это различие тембра обусловлено его цилиндрическим отверстием. Высокий звук раскатист и ярок, а звук нижнего регистра очаровывает бархатной мягкостью, теплотой, настоящей нежностью.

У кларнета много поклонников. Его с одинаковым успехом используют в классике и джазе. Поэтому в Интернете растет число сайтов с объявлениями о покупке и продаже новых или подержанных кларнетов. Не меньше и предложений ремонта, курсов, концертов, стажировок, мастер-классов, встреч кларнетистов, не считая посвященных кларнету форумов и блогов.

Тих кларнет или оглушителен, мягок или мужествен, его сила всегда — в нежности. Его магическая власть усиливает чувства и снимает напряжение, сильно влияя на наше восприятие. Являясь продолжением человеческого дыхания, кларнет выражает саму жизнь и, возможно, однажды он будет назван одним из лучших инструментов мира.